Una breve historia de la abstracción.

Una breve historia de la abstracción.

Introducción: Érase una vez: la imagen.

Figura 1: Caravaggio, Narciso, 1598-1599

Hay nada menos que trece definiciones de esta palabra en Larousse, desde un punto de vista científico, material o simbólico. La imagen es parte de nuestro entorno. Cada parpadeo de una pestaña nos hace descubrir una nueva imagen de lo que nos rodea.

Desde tiempos muy antiguos, el Hombre ha creado imágenes: simbólicas, han tenido un carácter religioso y/o político desde las primeras civilizaciones.

A medida que avanza la historia, el Hombre, como buen Narciso, busca representarse a sí mismo lo más fielmente -no, tan idealizado- como sea posible.

En Occidente, la pintura y la escultura se convierten en el medio preferido para los acontecimientos históricos: grandes batallas, episodios bíblicos o antiguos, retratos de personajes poderosos... nutren las imágenes y permiten a la posteridad recordar rostros y nombres.

Con la aparición de la fotografía, la pintura fue perdiendo paulatinamente su papel de testigo directo de la historia. También fue durante el mismo período cuando apareció la abstracción en el arte europeo.

1. Nacimiento de la abstracción: nuevas referencias para nuevas formas.

No podemos entender la abstracción sin ponerla en contexto. A finales del siglo XIX y principios del XX se produjeron numerosos avances tecnológicos.

La más importante es la fotografía que libera la pintura y le permite explorar la forma, la materia, el color, sin pretextos, sin las rígidas convenciones impuestas durante siglos por el academicismo. Con la presencia colonial europea en el mundo, los europeos y sus artistas descubrieron artes exóticas, como las africanas y polinesias cuyos estilos, cuyas representaciones simbólicas y geométricas son las antípodas de las convenciones milenarias del arte europeo.

Figura 2: Máscara Mbangu. Colgantes centrales. Bandundu, Zaire.

Figura 3: Picasso, Les Demoiselles d'Avignon, 1907, MOMA, Nueva York

Los artistas se permiten apreciaciones de las formas nuevas y más libres. Así, Picasso acabó escribiendo Les Demoiselles d'Avignon en 1907.

Figura 4: Georges Braque, Violín y vela, 1910

En esta obra, que marca el inicio del cubismo, Picasso busca resaltar la forma pura de los cuerpos: cubos, cilindros y pirámides son los fundamentos de la estética cubista. Los artistas utilizaron líneas rectas y ángulos agudos para representar los contornos de los objetos, enfatizando la geometría. El cubismo, también desarrollado por Georges Braques, también busca devolver el tema al espectador llevando la perspectiva al primer plano. El cubismo introdujo la noción de “visión múltiple” o “perspectivas simultáneas”. Los artistas representaron objetos combinando diferentes vistas y perspectivas en una sola imagen, creando una fragmentación del espacio y el tiempo.

El punto de vista del artista, su mirada, da a la obra su singularidad. De la misma manera, las áreas planas de color se alejan de los desenfoques artísticos para explotar la resonancia específica del color, en una paleta limitada.

En el mismo período (de 1909 a 1910) nació el futurismo en Italia. Aquí la referencia es la modernidad, la máquina, la velocidad. Fundado por el poeta Filippo Tommaso Marinetti en 1909, el futurismo rechazó las convenciones artísticas del pasado.

Figura 5:Luigi Russolo, Luigi Russolo Automóvil en corsa, 1912 - 1913

Marinetti instó a los artistas a celebrar la tecnología, la máquina y la velocidad, y a crear obras que reflejaran la energía y la dinámica de la vida moderna. Los vínculos de este movimiento con el fascismo italiano residen en su convergencia ideológica, particularmente en lo que respecta a su visión de la modernidad, el poder nacional y la centralización del poder. Benito Mussolini era un ferviente admirador del futurismo. Vio en los ideales futuristas una correspondencia con sus propias aspiraciones políticas.

Sin embargo, aunque algunos artistas futuristas expresaron su apoyo al fascismo, otros mantuvieron una distancia crítica del régimen de Mussolini.

Figura 6: de Umberto Boccioni, Formas únicas en la continuidad del espacio, 1913, bronce

2. Forma geométrica pura: obra de Kazimir Malevich

La forma geométrica es esencial para acercarse a las formas de la naturaleza. Cuando aprendemos a dibujar, abordamos una cara como un óvalo, la dirección de un brazo como una línea… moviéndose en el espacio. Son lo que llamamos líneas de fuerza, que nos permiten construir la obra: aquí, por ejemplo, un Descendimiento de la Cruz de Caravaggio y el Juramento de los Horacios de David.

Figura 7: Caravaggio, Deposición de la cruz, 1602-1604

Figura 8: Jacques-Louis David, Juramento de los Horacios, 1785

Todo es geometría y sin embargo… la abstracción no nació ni en Italia ni en Francia sino en los países del norte y del este, en Rusia con Malevich y Kandinsky (para los más conocidos) y en Holanda con Mondrian.

Empecemos por Malevich, es mi favorito.

Rusia, a diferencia del resto de Europa, es ortodoxa. Allí el arte no copia la Naturaleza sino la naturaleza divina de Cristo. En efecto, los iconos son la imagen “fotográfica” de Cristo y de la Virgen: cuenta la leyenda que Lucas, totalmente incapaz de captar la esencia de lo divino, fue ayudado por ángeles descendidos del cielo para completar su obra. Esto es lo que llamamos una imagen “acheiropoyética”, es decir, “no hecha por manos humanas”. Concebido de esta manera, el arte del icono permanece fijo.

Figura 9: Autor desconocido, Cristo, alrededor de 1100

Figura 10: autor desconocido, icono de Vladimir, alrededor de 1100

Este arte está profundamente arraigado en la espiritualidad y el simbolismo religioso. Los iconos están diseñados para transmitir conceptos teológicos y espirituales a través de motivos simbólicos: por ejemplo, la mandorla, una forma de almendra que rodea la figura, representa la gloria divina que rodea las figuras sagradas, simbolizando la luz de la divinidad que emana de los santos.

Este símbolo, al igual que otros símbolos geométricos, como círculos, triángulos y estrellas, también son fundamentales en la composición general de la obra.

El cuerpo, y lo que constituye la naturaleza, responde a reglas geométricas. Las obras figurativas de Malevich lo demuestran bien: el cuerpo es un cilindro, la figura un óvalo, etc.

Vemos en estas obras figuradas el mismo marco rígido que el de los iconos: las formas, proporciones y geometrías del cuerpo echan raíces en el arte religioso ortodoxo.

Figura 11: Kazimir Malevich, Cortador de heno, 1930

Figura 12: Kazimir Malevich, Los deportistas, 1928-1930

Figura 13: Kazimir Malevich, Mujer en el Puesto Rojo, 1932-1933

Figura 14: Kazimir Malevich, Chica con un peine en el pelo, 1932-1933

Como iconos, Malevich sustenta sus composiciones con colores brillantes y marcados contrastes entre luces y sombras. Estos efectos visuales se utilizan para crear una atmósfera espiritual y mística, así como para enfatizar la importancia de los elementos simbólicos en la imagen.

Figura 15: Kazimir Malevich, Suprematismo amarillo y negro, 1916

Al explorar la forma y el símbolo, Malevich y sus contemporáneos se alejaron cada vez más de la figuración. Liberarse de las limitaciones de la forma académica, es decir apoyada oficialmente por el Estado, significa también liberarse políticamente de la Rusia zarista. La revolución comunista apoyará a estas vanguardias antes de oprimirlas para que regresen a un “realismo soviético”, imágenes propagandísticas muy alejadas de la libertad formal e intelectual de la abstracción.

El arte abstracto no es sólo una visión de la mente: es el largo trabajo de una tradición milenaria, que mezcla espiritualidad, cuestiones plásticas, cuestiones sobre la representación y la naturaleza de la realidad. La exploración de la forma como tal, liberada de los “florecimientos” de la representación realista, es un espacio que revisita la realidad y que revela su fuente: la forma y el color puros.

3. Abstracción y naturaleza: el ejemplo de Piet Mondrian

Una de las principales figuras del arte abstracto es Piet Mondrian. Pintor holandés nacido en 1872 en el seno de una familia calvinista, inició su carrera en la época artística que entonces dominaba: el realismo y el neoimpresionismo.

Su área de influencia es distinta a la de nuestro amigo Malevich. El arte holandés es misterioso y místico, y está impregnado de muchos símbolos vinculados a la naturaleza. Uno de sus temas clave es el molino.

Figura 16: Piet Mondrian, Molino en el crepúsculo, 1907-1908

Los molinos de viento representan el paso del tiempo y la transición entre estaciones. A veces se representan en tranquilos paisajes rurales, evocando una sensación de calma y contemplación, y simbolizando la continuidad y el ciclo perpetuo de la vida. El molino, indirectamente, representa el viento que es el Espíritu y su aliento, la manifestación de una conciencia superior.

Figura 17: Piet Mondrian, Bosque en Oele, 1908

Figura 18: Piet Mondrian, Naturaleza muerta con jengibre II, 1912

El futurismo y el cubismo, surgidos a principios del siglo XX, influyeron en el joven pintor que poco a poco se encaminó hacia una depuración de las formas.

Figura 19: Piet Mondrian, Composición, 1916

Figura 20: Piet Mondrian, Composición en blanco y negro, 1915

Para ello, Mondrian acentúa líneas y formas geométricas como rectángulos y cuadrados. Traza los puntos de convergencia entre las líneas de fuerza, lo que tiene el efecto de crear pequeñas cruces.

Poco a poco, la geometría sustituye a lo figurativo. Mondrian también elige una paleta de colores limitada: los colores primarios, amarillo, azul y rojo, a partir de los cuales se pueden crear todos los colores.

Volver a lo “primario”, a lo “primero”, a lo “primitivo” fue la moda de la época gracias al descubrimiento de las artes africanas y polinesias. Los pintores se centran en la expresión pura de la pintura más que en la representación fiel de la realidad posible a través de la fotografía.

Así, nuestro querido Piet se concentra en las líneas y los planos, en una búsqueda de la armonía, acentuada por la colocación de superficies coloreadas. Todo crea un equilibrio dinámico.

Mondrian logró lograr la abstracción pura, donde sus obras expresan principios artísticos y espirituales universales en lugar de representaciones específicas de la realidad visible.

Figura 21: Piet Mondrian, Composición, alrededor de 1920

Figura 22: Piet Mondrian, Composición, alrededor de 1920

Figura 23: Piet Mondrian, Composición, alrededor de 1920

Es este universalismo el que permiten la geometría y la abstracción: al apropiarse de las formas subyacentes de la naturaleza, la abstracción tiende hacia el universalismo de la representación.

Esto es posible porque existe una regla universal o mejor dicho, un lenguaje universal: las matemáticas. Es la geometría la que ordena la Naturaleza.

Todos conocemos los fractales, formas geométricas complejas que se repiten a diferentes escalas, como en los helechos por ejemplo. Las artes del Islam han reproducido este orden para manifestar la Creación divina.

Para aquellos interesados ​​en el arte, probablemente conozcan la secuencia de Fibonacci, que es una secuencia matemática cuya expresión más bella son las formas de conchas marinas o ciertas flores. Algunos también conocen esta secuencia como la “proporción áurea”.

Lo mismo ocurre en el cosmos: las órbitas planetarias siguen trayectorias elípticas alrededor de sus estrellas obedeciendo las leyes de la gravitación y la mecánica celeste expuestas por Kepler y Newton.

El universo mismo exhibe una notable simetría. Estructuras como cúmulos de galaxias, filamentos cósmicos y grandes estructuras en forma de burbujas observadas en la distribución de las galaxias revelan patrones geométricos complejos que a menudo desafían nuestra comprensión.

Tomando las formas de la Naturaleza, el arte deduce interpretaciones sagradas: el cuadrado, que tiene un principio y un fin, representa la tierra, la finitud. El círculo, que no tiene principio ni fin, es sinónimo de eternidad, totalidad, continuidad y armonía.

Entre los cristianos representa lo divino: las coronas son redondas al igual que las aureolas. El triángulo puede simbolizar dinámica, movimiento y energía. En algunas culturas se asocia con conceptos como cielo, tierra y hombre, o pasado, presente y futuro, pensamiento ternario, la Trinidad, etc.

Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich y Piet Mondrian exploraron el arte en sus elementos más fundamentales: color, forma y línea. Estos artistas buscaron expresar emociones, ideas o conceptos abstractos a través de su arte, liberando así a la pintura de cualquier limitación representacional.

La abstracción ha pasado por diferentes fases y escuelas, que van desde la abstracción geométrica, caracterizada por formas geométricas puras y líneas limpias, hasta la abstracción lírica, que favorece la espontaneidad gestual y la expresión emocional.

Con el tiempo, la abstracción ha influido en muchos campos artísticos, incluida la pintura, la escultura, la fotografía, la música e incluso la arquitectura. También ha abierto nuevas vías de exploración artística, desafiando las nociones tradicionales de representación y belleza e invitando al espectador a una experiencia estética más subjetiva e inmersiva. Hoy en día, la abstracción sigue siendo un movimiento artístico dinámico y diverso, continuamente explorado y reinterpretado por artistas contemporáneos.